导演其实在开篇的旁白里就已经说出了故事的结局，国产电影是一出悲剧。但却是以喜剧的形式讲述的。三名孤儿，国产安德列、尤里克与玛尔塔。其实都是成年人，但他们的行为却如孩子般天真。三人住在一所战争中被炸毁的教堂里。有趣的是，这所教堂竟然还有个房东，他也是个孤儿。胖胖的，可爱的老头， 贪吃、爱玩，喜欢弹钢琴。安德列与尤里克本是好友，但自从犹太女孩玛尔塔到来之后，他们的关系变得异常微妙。尤里克无缘由地被抓进监狱。一年出狱后，发现已经是物是人非。他们的将来会何去何从呢？片中的鸟儿，是指人死后灵魂的象征物；愚人，也可以说是“傻瓜”，是指那些在战争中失去理智的疯子或者被别人称为是有理性的那些人。剧中经常出现不合常理、超现实的人物、场景。
回复 :简介：在世界电影史上，尤里斯·伊文思被称为纪录电影的先驱，与美国的罗伯特·弗拉哈迪、英国的约翰·格里尔逊和苏联的吉加·维尔托夫并称为四大纪录电影之父，与其他三位不同的是，伊文思的创作生涯最长，在长达60余年的创作生涯中拍摄了60余部影片，一部寻找失落青春的诗意纪录《塞纳河》曾使他获得1957年的戛纳金棕榈大奖。中国的抗战不仅掀起了中国电影人的创作热情，也吸引了国外电影大师的镜头。上世纪30年代末，多位国外记录片导演来华摄制影片，他们中最杰出的代表就是尤里斯·伊文思。伊文思1938年在中国拍摄的《四万万人民》不仅是他电影生涯的代表作，也是他与中国维持50年的情谊的开端。从抗战开始，在不同的年代，他用自己的镜头纪录下了不同的中国。外国人来华拍纪录片的历史，最早大约可以追溯到电影诞生的那几年。1896年，卢米艾尔兄弟派出了数百名摄影师奔赴世界各地拍片，其中一些摄影师就曾来华拍片。此后，美国人、意大利人、苏联人、瑞典人都曾经把镜头对准过中国，但多是风光片及风土人情、文物考古、民居民俗的纪录，直到战争的悄然到来。1935年，在燕京大学任教的美国记者埃德加·斯诺用一台十六毫米手摇摄影机拍下了“一二·九”学生运动的场面，今天已成为珍贵的历史资料。1938年，尤里斯·伊文思来了，这个“飞翔的荷兰人”飞到了中国，与他同行的还有我最崇拜的战地摄影师罗伯特·卡帕。在1936年，两个勇敢的人在西班牙内战爆发之际，把摄影机和照相机的镜头对准了这片燃烧的土地，伊文思拍摄了广受赞誉的纪录片《西班牙土地》，而卡帕也因拍摄《共和军之死》的照片一举成名。 “纪录”拥有了出生入死的刚毅血性。从此，“什么地方燃烧，就去什么地方拍摄”被奉为摄影师的职责。西班牙内战是西方前线，而中国战场则被称为是反法西斯斗争的东方前线，从西方前线远涉到东方前线，伊文思和卡帕在中国拍摄的珍贵图像仿佛西班牙影像的回音。1938年4月初，在抵达中国不久，二人便拍摄了“台儿庄战役”，那是值得庆贺的第一场正面击溃日军的胜利，伊文思和卡帕要求上前线拍摄，最终未能拍到决战的场面，因为他们是外国人，没人敢为他们的生命承担风险，但他们还是抓住机会在台儿庄附近的小树林中拍摄了这场战斗。伊文思回忆说：“我不是一个作家，我通过画面能够更好地表达自己，我一定要表达死亡对我意味着什么，不仅仅是拍几个尸体，而是拍摄整个一段，死亡牵连到的往往是许多人。我触到了中国，中国也触到了我，我拍了战争，拍了一个在战争中瓦解，又在战火中形成的国家，我看到了勇敢！”纪录这场战争的《四万万人民》成为了关于中国抗日战争的真实写照，并且起到了声援中国人民的抗日战争的积极作用，这些影像成为后来中国抗战影片的重要素材。而卡帕生平最有力度的照片，就是他拍摄的遭日军空袭后的劫难场面。正如卡帕那句永远的名言：“如果你照片拍得不够好，因为你离得不够近”。1954年，卡帕在越南战场触雷身亡，如一个不参与杀戮的斗牛士般身着光彩耀目的斗牛士装束轰然倒下，而伊文思继续潜行在战火中。伊文思的冒险不是赌徒的博彩，也不是亡命徒般的轻生，而是为激情所贯注，为信仰所战斗的勇气。在中国抗日战场上，在越南抗美的丛林中，在古巴剿匪的追击中，甚至在70岁高龄，依然在战火中拍摄。这个“飞翔的荷兰人”被祖国放逐，却四次来中国，他称中国是收养他的“第二故乡”，他爱这里的人民。红色电影的开端——延安电影团伊文思在临走之前，秘密地把一台埃摩摄影机交给了一位左翼影人吴印咸，这位吴印咸后来被称为共和国摄影艺术的拓荒者。1938年秋，吴印咸和袁牧之两人带着这台摄影机和从香港购得的全套电影器材到达延安，在八路军总政治部下成立了“延安电影团”。最初电影团只有6个人，有电影工作经验的仅有3个。1938年10月1日，电影团开拍了自己的第一部作品，记录片《延安与八路军》。1940年袁牧之将完成的影片底片带到苏联，没想到正好苏德战争爆发，没能在苏联印出拷贝送回国内放映。进入40年代后，电影团拍摄了多部新闻短片，在根据地露天放映。
黄霑
回复 :在关于爱情、失去和渴望的三个故事中，孤独的灵魂在大城市忙碌的生活中找到了意想不到的情感共鸣和陪伴
咻比嘟哗
回复 :It has been said that most great twentieth century novels include scenes in a hotel, a symptom of the vast uprooting that has occurred in the last century: James Ivory begins Quartet with a montage of the hotels of Montparnasse, a quiet prelude before our introduction to the violently lost souls who inhabit them.Adapted from the 1928 autobiographical novel by Jean Rhys, Quartet is the story of a love quadrangle between a complicated young West Indian woman named Marya (played by Isabelle Adjani), her husband Stefan (Anthony Higgins), a manipulative English art patron named Heidler (Alan Bates), and his painter wife Lois (Maggie Smith). The film is set in the Golden Age of Paris, Hemingway's "moveable feast" of cafe culture and extravagant nightlife, glitter and literati: yet underneath is the outline of something sinister beneath the polished brasses and brasseries.When Marya's husband is put in a Paris prison on charges of selling stolen art works, she is left indigent and is taken in by Heidler and his wife: the predatory Englishman (whose character Rhys bases on the novelist Ford Madox Ford) is quick to take advantage of the new living arrangement, and Marya finds herself in a stranglehold between husband and wife. Lovers alternately gravitate toward and are repelled by each other, now professing their love, now confessing their brutal indifference -- all the while keeping up appearances. The film explores the vast territory between the "nice" and the "good," between outward refinement and inner darkness: after one violent episode, Lois asks Marya not to speak of it to the Paris crowd. "Is that all you're worried about?" demands an outraged Marya. "Yes," Lois replies with icy candor, "as a matter of fact."Adjani won the Best Actress award at Cannes for her performances in Quartet: her Marya is a volatile compound of French schoolgirl and scorned mistress, veering between tremulous joy and hysterical outburst. Smith shines in one of her most memorable roles: she imbues Lois with a Katherine-of-Aragon impotent rage, as humiliated as she is powerless in the face of her husband's choices. Her interactions with Bates are scenes from a marriage that has moved from disillusionment to pale acceptance.Ruth Prawer Jhabvala and James Ivory's screenplay uses Rhys's novel as a foundation from which it constructs a world that is both true to the novel and distinctive in its own right, painting a society that has lost its inhibitions and inadvertently lost its soul. We are taken to mirrored cafes, then move through the looking glass: Marya, in one scene, is offered a job as a model and then finds herself in a sadomasochistic pornographer's studio. The film, as photographed by Pierre Lhomme, creates thoroughly cinematic moments that Rhy's novel could not have attempted: in one of the Ivory's most memorable scenes, a black American chanteuse (extraordinarily played by Armelia McQueen) entertains Parisian patrons with a big and brassy jazz song, neither subtle nor elegant. Ivory keeps the camera on the singer's act: there is something in her unguarded smile that makes the danger beneath Montparnasse manners seem more acute.
